아르누보

아르누보는 '새로운 예술'이라는 뜻으로, 19세기 말부터 20세기 초까지 유럽과 미국에서 꽃핀 양식이다. 길고 구불구불한 유기적인 선이 특징이고, 건축과 실내, 보석과 유리, 포스터와 삽화에 가장 많이 쓰였다.^[1][2]

브리태니커는 아르누보를 19세기 미술과 디자인을 지배하던 '옛 양식 베끼기'에서 벗어나 새로운 양식을 만들려는 의도적인 시도로 설명한다.^[2] 채찍처럼 휘는 곡선은 식물 연구와 심해 생물 그림에서 일부 나왔는데, 독일 생물학자 에른스트 헤켈이 1899년에 펴낸 『자연의 예술 형태』가 대표적이다.^[1]

'아르누보'라는 말은 1880년대 벨기에 잡지 『라르 모데른(L'Art Moderne)』에 처음 등장했다. 예술로 개혁을 꿈꾸던 화가·조각가 모임 '레 뱅(Les Vingt, 20인회)'의 작업을 설명하는 말이었다.^[1][2]

이 이름을 널리 알린 것은 1895년 12월 파리의 미술상 지크프리트 빙이 연 갤러리 '라르 누보(L'Art Nouveau)'였다. 나라마다 부르는 이름도 달랐다. 독일에서는 잡지 『유겐트(Die Jugend)』의 이름을 딴 '유겐트슈틸(젊은 양식)', 벨기에에서는 '국수 양식(Style nouille)', 이탈리아에서는 런던의 상점 리버티 앤드 코의 이름을 딴 '스틸레 리버티', 오스트리아와 헝가리에서는 '제체시온슈틸', 미국에서는 루이스 컴퍼트 티파니의 유리에서 따온 '티파니 스타일'이라고 불렀다.^[1]

프랑스에서는 '쥘 베른 양식', 기마르의 지하철 입구에서 따온 '메트로 양식', '벨 에포크 미술', '세기말 미술' 등 이름이 더 많았다.^[1]

아르누보는 19세기 영국의 두 흐름에서 자랐다. 손 공예와 전통 기법으로 돌아가자는 윌리엄 모리스의 미술공예운동, 그리고 '예술을 위한 예술'을 내건 탐미주의다.^[1][2] 대륙에서는 폴 고갱과 앙리 드 툴루즈로트레크의 표현적인 선이 영향을 주었다.^[2]

1860년대 일본과 교역이 열린 뒤 서양 시장에 쏟아져 들어온 일본 판화(우키요에)의 선적인 무늬, 곧 '자포니슴'도 큰 영감이 됐다.^[1][2] 아르누보 디자이너들은 회화·조각 같은 순수미술과 '낮은' 장식미술의 구분에 반대하고, 건물부터 가구와 소품까지 하나로 디자인하는 '총체 예술'을 꿈꿨다.^[1]

브리태니커에 따르면 아르누보의 가장 큰 특징은 꽃줄기와 봉오리, 덩굴손, 곤충 날개처럼 섬세한 자연에서 가져온 물결치는 비대칭 선이다. 그래픽에서는 이 선이 형태와 질감, 공간, 색까지 모두 자기 장식 효과 아래 두었다.^[2]

건축에서는 구조와 장식이 하나가 됐다. 철과 유리, 도자, 벽돌을 자유롭게 섞어 기둥과 들보가 덩굴처럼 뻗고, 창이 빛과 공기가 드나드는 구멍이자 건물에서 자라난 막처럼 보이는 실내를 만들었다. 이성과 명료한 구조라는 전통적인 건축 가치와 정면으로 맞서는 방식이었다.^[2]

1910년 이후 아르누보는 낡고 한계가 분명해 보여 독자적인 장식 양식으로는 거의 버려졌다.^[2] 메트로폴리탄 미술관은 이 짧은 불꽃이 장식을 걷어 내고 기능을 앞세운 모더니즘의 전조였다고 보고, 매끈한 표면에 이국적인 무늬목과 상감을 더한 아르데코 가구에서 그 흔적을 찾는다.^[1]

다시 빛을 본 것은 1960년대다. 1959년 뉴욕 현대미술관, 1960년 파리 국립근대미술관의 대형 전시, 1966년 런던 V&A의 오브리 비어즐리 회고전이 아르누보를 다른 근대 미술 운동과 같은 반열에 올려놓았다. 대중문화에서는 꽃과 덩굴의 곡선이 사이키델릭 패션과 록 음반 표지의 글자체로 되살아났다.^[2]